10 Mejores Películas de 2017

En 2017, Hollywood utilizó el pasado para enfrentarse a nuestro tenebroso presente y futuro incierto. Ya sea que una película provenga de un veterano (Steven Spielberg) o de un novato (Jordan Peele), sentiste que la energía de un artista se echaba a perder al ser escuchado. Los temas eran muchos y variados: el calor a fuego lento de la política racial (Get Out, Detroit); una política estadounidense. La guerra inconstitucional del presidente contra una prensa libre (The Post), la rabia que viene cuando uno se siente impotente para luchar contra el poder (tres vallas publicitarias fuera de Ebbing, Missouri); y la cuestión esencial de cómo vivir en un mundo que se encamina hacia el desastre global (Dunkirk, La hora más oscura). Las mejores películas del año enviaron un mensaje de que muchos de nosotros estamos locos como el infierno y no vamos a aguantarlo más. ¿Alguien está escuchando?

10. Phantom Thread

La última gran película de 2017 proviene del escritor-director Paul Thomas Anderson, un talento cuyo poder y alcance cinematográfico son aparentemente ilimitados. Ambientada en el elegante mundo de la moda londinense de los años 50, la película presenta a un brillante Daniel Day Lewis como uno de los principales diseñadores cuyo mundo está sacudido por una revolución de estilo. Igualmente sísmico a su proceso creativo y a su vida personal: una musa joven (Vicky Krieps) que se niega a unirse a una larga fila de mujeres que saltan a sus órdenes. La política sexual, entonces y ahora, resuena a través de la película. ¿Habrá sangre? No de la forma que te puedas imaginar. Pero el amor, como Anderson lo ve, es una magnífica obsesión que puede nutrir o destruir. No podrás sacarte de la cabeza los secretos retorcidos de la película. No querrás hacerlo.

9. A Ghost Story

La historia sobrenatural de la devoción eterna de David Lowery involucra a una mujer (Rooney Mara) perseguida por su amante muerto (Casey Affleck). Este es un experimento ardiente, ambicioso y desafiante que restaura nuestra fe en el cine como forma de arte.

8. Detroit

El director Kathryn Bigelow y el guionista Mark Boal echan un vistazo incendiario a los disturbios raciales de 1967 en Detroit, todavía vivos y tóxicos en la brutalidad policial y el racismo sistémico de hoy en día. El público se mantuvo alejado. Gran error. Detroit es difícil de aceptar. También es imposible de olvidar.

7. The Shape of Water

El maestro visual Guillermo del Toro regresa a la Guerra Fría para indagar la pasión secreta de una chica muda (Sally Hawkins) y una criatura de la laguna gubernamental de las operaciones negras (Doug Jones). El resultado dice mucho de lo que elegimos llamar “alienígena”.

6. Lady Bird

No hay nada nuevo acerca de las comedias de la era venidera, pero Lady Bird consigue el género de una manera emocionante, gracias a la guionista Greta Gerwig en un debut como directora en solitario que le viene bien a sus propios años formativos en Sacramento hacia 2002. Saoirse Ronan y Laurie Metcalf sobresalen como una hija y madre cuya jaula partido de lucha de afecto llega a casa da igual la edad que tengas.

5. The Post

En el thriller político propulsivo de Steven Spielberg, no es difícil encontrar el vínculo entre el momento actual y las amenazas que la Casa Blanca de Nixon lanzó en la editorial del Washington Post Katharine Graham (Meryl Streep) y el editor Ben Bradlee (Tom Hanks) El año 1971; la cuestión es si publicar o no los documentos del Pentágono y exponer un encubrimiento masivo del gobierno. Cualquier relación con la guerra de Trump contra una prensa libre es puramente intencional. Streep podría dirigirse a Oscar No. 4 como una mujer mimada por un ejército de hombres condescendientes. Y la dirección de la velocidad de Spielberg habla con un poder relevante para el pasado, el presente y un futuro escalofriante.

4.Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

El dramaturgo anglo-irlandés Martin McDonagh encuentra su encanto cinematográfico en la escritura y dirección de esta mirada dolorosa y salvajemente divertida a un dínamo de pueblo pequeño (Frances McDormand) que alquila vallas publicitarias para rabiar a la policía por no resolver la violación y el asesinato de su hija adolescente. McDormand y McDonagh, un partido en llamas, descubren la impotencia y la furia que todos sentimos ahora mismo.

3. Call Me By Your Name

La homofobia no tiene cabida en el romance erótico de Luca Guadagnino, ambientado en Italia en 1983, cuando un prodigio musical (Timothée Chalamet) y el guapo ayudante de su padre (Armie Hammer) experimentan la emoción del primer amor y el dolor eviscerante de su pérdida. Un triunfo artístico que insiste en que la empatía es el mejor antídoto contra la intolerancia.

2. Get Out

¿Puede una película de terror participar en la carrera por el Oscar a la mejor película? Puedes apostar tu trasero. Daniel Kaluuya no sabe lo que le espera cuando su novia (Allison Williams) lo lleva a casa a los suburbios blancos, pero la cultura negra no es lo único que se está cooptando. En el debut más emocionante del año como director de cine, Jordan Peele hace malabares y se ríe de la hipocresía racial en un Estados Unidos que se niega a despertarse.

1. Dunkirk

En la mejor película del año, Christopher Nolan nos muestra el significado del cine puro, representando la evacuación de los soldados británicos de las playas francesas de Dunkerque en 1940, cuando las fuerzas de Hitler intentan aplastarlos por tierra, mar y aire. En vez de decirnos qué pensar, Nolan ofrece una inmersión total en la experiencia de vida o muerte de estar allí, presa de los caprichos de un dictador y aún así encendida con la voluntad de resistir. (Y como el compañero perfecto de la épica de Nolan, la Hora Más Oscura de Joe Wright -con Gary Oldman como el primer ministro británico Winston Churchill- nos lleva dentro de los pasillos del poder, donde las repercusiones políticas de la matanza en las playas de Dunkerque se desbordan con implicaciones de actualidad sobre un mundo al borde de la catástrofe. ¿Te suena familiar?)

 

Dunkerque Critica (Dunkirk 2017)

La gran derrota pírrica de Gran Bretaña o la victoria inversa de 1940 ha sido llevada a la pantalla como un espantoso y devastador espectáculo de Christopher Nolan. Lo sumerge en la caótica evacuación de la Fuerza Expedicionaria Británica del norte de Francia tras la catastrófica batalla de Dunkerque, ayudada por la legendaria flotilla de pequeñas embarcaciones civiles. Es parte película de desastres, parte épica de guerra comprimida, y todo ello horriblemente apropiado para estos tiempos de Brexit.

Nolan’s Dunkirk tiene ese tipo de certidumbre de gran pantalla que vi por última vez en el Titanic de James Cameron o el United 93 de Paul Greengrass. Es muy diferente a su anterior largometraje, la sorprendente y sobrevalorada convolución de ciencia ficción Interstellar. Se trata de una película poderosa y magníficamente elaborada con una historia que contar, que evita el porno de guerra a favor de algo desolado y apocalíptico, un paisaje de playa de la vergüenza, plagado de soldados zombizados por la derrota, un mundo macho sombrío y sin apenas mujeres en la pantalla.

Es la mejor película de Nolan hasta ahora. También tiene la mejor partitura musical de Hans Zimmer: un espeluznante, apasionante y gruñón acompañamiento a una pesadilla, cambiando finalmente a variaciones cuasi-Elgar para la propia liberación. Zimmer crea un lamento pantonal continuo, que imita el grito del bombardero de inmersión y el revoloteo mareado de las mareas, y funciona en contrapunto a la artillería ensordecedora y el fuego de ametralladora que me quitó los empastes de los dientes y los envió en una fusión de metralla por todo el auditorio del cine.

La película está, por supuesto, en una escala nolanesca masiva. Dunquerque es tradicionalmente visto en términos de una insignificancia milagrosa que de alguna manera redimió el desastre. Los valientes botes contrarrestaron la memoria de un ejército británico empequeñecido por la estrategia de la Wehrmacht y un establecimiento británico humillado por la sospecha de que sólo el cálculo erróneo de Hitler o la misteriosa realpolitik para detener el avance alemán permitieron la evacuación en primer lugar. Un tipo diferente de película de Dunkerque podría haber incluido escenas del Alto Mando en Berlín mostrando a los generales discutiendo con el Führer precisamente sobre esto. Tal vez Nolan no quería que su película fuera secuestrada por un montón de subtítulos satíricos falsos como YouTubers.

El evento en sí mismo entró en el torrente sanguíneo de la cultura pop británica después de la guerra a través de los títulos de apertura del Dad’s Army de la televisión, con sus carretas de mapas nazis desplazándose hacia el norte y el tema de Flanagan inspirado en la película Dunkirk de Leslie Norman de 1958, protagonizada por John Mills y Richard Attenborough. Pero Nolan no está teniendo ninguna risa moral o chirridos. Su desastre es grande; las apuestas son altas, la ansiedad insoportable.

Nos vemos forzados a actuar de inmediato para perforar el tímpano. Un escuadrón llamado Tommy (Fionn Whitehead) corre desesperadamente a la playa por las calles de Dunkerque bajo un fuerte fuego y ve el panorama de pesadillas frente a él: centenares de miles de soldados franceses y británicos varados esperando por toda la arena. Los cadáveres están siendo enterrados allí. No hay barcos que los rescaten y, al parecer, no hay cobertura aérea que impida su recogida. Tommy va a entrar en contacto con Alex (Harry Styles, haciendo un debut de actuación perfectamente fuerte). Mientras tanto, el piloto de la RAF Farrier (Tom Hardy) está, de hecho, enfrentándose al enemigo por encima de la cabeza y tomando riesgos desesperados con el combustible. Un grizzled oficial naval jugado por Kenneth Branagh – canalizando a Jack Hawkins en el Mar Cruel (1953) – explora el horizonte. Y en el frente de casa, un tal Sr. Dawson, interpretado lacónicamente por Mark Rylance, toma su pequeño crucero, se une a la armada del pueblo, se encuentra con un oficial traumatizado (Cillian Murphy) y soporta un terrible sacrificio, que vive para ver mitologizado y falsificado por la prensa.

Desde el punto de vista militar, Dunkerque es prácticamente estático durante la mayor parte de su tiempo de funcionamiento: la batalla ha terminado antes de que la película haya comenzado, y no existe un contexto narrativo del tipo que se ofrece en la versión de Leslie Norman. Nolan rodea a su audiencia con caos y horror desde el principio, y sorprendentes imágenes y piezas de escenografía deslumbrantemente logradas en una enorme pantalla de 70 mm, particularmente el pontón abarrotado de soldados que se extienden en el mar agitado, expuestos a los aviones enemigos. Es una expresión arquitectónica del anhelo de volver a casa. Hay una imagen tremenda cuando algunos de los soldados se las arreglan para subirse a bordo de un destructor, y son bienvenidos con el té y eso ahora desaparece golosinas, pan y mermelada, y rectángulos tan diminutos de moteado surrealista rojo la imagen gris y caqui. También es persuasivamente horrible cuando los soldados esperan al borde del oleaje, que se ha convertido en una espuma espumosa, como si estos fueran los supervivientes de un horrible desastre natural.

Christopher Nolan podría haber encontrado algo de inspiración en la escena de Dunkerque en la película Atonement 2007 de Joe Wright, pero por otra parte él trae su propia confianza colosal y muy distintiva a esta historia. Es una pieza visceral del cine.